La vida es obra: entrevista con Renée Fleming

Tímida de niña, Fleming pensó que crecería y sería profesora de música como sus padres. En cambio, se convirtió en la actual soprano estadounidense de su época, actuando en teatros de ópera de todo el mundo y ganando cinco premios Grammy. También se ha destacado en otros ámbitos: grabaciones independientes, papeles en Broadway, puestos de asesora y directora artística en compañías de artes escénicas y embajadora en la Organización Mundial de la Salud. Su proyecto más reciente es comisariar La música y la mente, un libro que explora la relación entre las artes y el bienestar.

HBR: ¿Cuándo empezó a plantearse una carrera más allá de la enseñanza?

Fleming: Todo se debió a la oportunidad. Tuve una educación estupenda: la Escuela de Música Eastman, una beca Fulbright para estudiar en Alemania y luego Juilliard. Creo que todos los jóvenes deberían estudiar en el extranjero si pueden. Es una de esas experiencias que abren horizontes que le cambian la vida. Hizo que, paso a paso, me apasionara más aprender a cantar bien, y luego descubrir la historia europea y sus tres siglos de música, y luego explorar cómo cantar en muchos idiomas. Descubrí que me gustan los desafíos intelectuales y musicales, y fue una educación cultural fenomenal.

¿Cómo se convierte una chica tímida en una artista famosa?

Empecé a emular a amigos míos cantantes que eran diferentes: no tan autocríticos, con menos dudas. Sentí que tenía que ser perfecta para triunfar, pero no lo hicieron; al salir de cada audición, asumían que lo habían hecho muy bien. Pensé: Déjeme aprender de eso. A menudo digo a los jóvenes cantantes: «Si se siente inseguro, actúe como otra persona. Adopte la personalidad de un artista que tiene mucha confianza». Me ayudó. Funcionó.

¿Cuánto de su éxito atribuye al talento natural frente al esfuerzo?

Dicen que el talento es un 10% y el resto es lo que usted pone en él. Hay una enorme ética de trabajo en el canto virtuoso. No puede simplemente despertarse un día y decir: «Tengo una voz estupenda. Creo que estaré en el Met la semana que viene». Sin embargo, si no tiene el talento (el instrumento, la voz), podría poner el 110% y no sucedería. Por supuesto, el talento es más que una voz. También es tener una musicalidad innata y un buen oído para el lenguaje, ser capaz de digerir la información rápidamente y tener los instintos y la imaginación que le permiten habitar el cuerpo de otra persona en el escenario.

Describa su formación.

Siempre he tenido la posibilidad de coger lo que me funciona y dejar el resto, y eso es de gran ayuda. La gente puede enseñar a cantar a nuestro nivel de muchas maneras. Abarcan trescientos años de diferentes estilos de música de diferentes países, todos con reglas diferentes en torno a ellos. Es una gran curva de aprendizaje. Algunas personas se tambalean porque van de profesor en profesor sin absorber las clases. También hay que poder decir: «Trabajo mejor con alguien que usa imágenes» o «Prefiero hablar de fisiología». Ese discernimiento —la capacidad de pedir y tomar lo que pueda usar— es cierto tipo de inteligencia.

Ha tenido episodios de miedo escénico. ¿Qué lo provocó y cómo lo superó?

Sí, es agobiante y el peor período fue cuando mi carrera estaba en su apogeo, así que es increíble que lo haya conseguido sin arruinarlo. Un par de cosas están en la raíz. Una era un malestar profundamente arraigado por el éxito. Los psicólogos lo llaman_éxito, conflicto,_ y puede que mucha gente no lo sepa. Pero todos podemos señalar a famosos o políticos que han saboteado sus carreras con el abuso de drogas y alcohol u otras malas decisiones. Parte del problema es que lo llevan lejos de sus raíces y de su zona de confort, tal vez a un nivel de éxito que va mucho más allá de sus amigos y familiares, y eso es incómodo. También estaba asumiendo demasiados trabajos nuevos, demasiados puestos nuevos. Tenía dos hijos pequeños y mi matrimonio estaba llegando a su fin. Así que el miedo escénico era mi forma de decir: Dé un paso atrás. Se necesitó mucha autorreflexión, terapia y apoyo para superar esa época. Ya no tengo miedo escénico. Pero nunca he olvidado cuando lo hice. Siempre está en el fondo de mi mente como posibilidad. Así que pienso en estar preparado, saber qué es lo que provoca la ansiedad y no esforzarme demasiado.

Su gran oportunidad fue a mediados de los treinta. ¿Fue una espera frustrante?

Siempre me esforcé, así que sí. Todos los que tienen 23 años quieren ser una gran estrella. Pero necesitaba más tiempo para desarrollar mis habilidades y poder hacer una audición lo suficientemente buena. También necesita un descanso: un empresario, alguien que dirija una gran empresa que diga: «Yo lo elijo», aunque no sea el cantante que todo el mundo quiere ahora mismo. Esas primeras oportunidades son importantes y luego tiene que cumplirlas, porque una vez que es obvio que se lo merece, todos hacen cola para usted.

Parte de su éxito en la ópera se debe a conocer los papeles que más le convienen. ¿Cómo encontró el carril derecho?

Hubo un tiempo en que podría haber hecho otra cosa, pero no quería estresar mi instrumento. Quería longevidad. Una cosa que mi profesor repetía constantemente era: «Cante solo según su interés, no según el director». Significa que no se extienda más allá de su rango o volumen cómodos. Incluso si canta tan fuerte o tan fuerte como pueda, querrá asegurarse de que tiene una calidad saludable. Si está demasiado extendido, será un poco ronco, estridente, no es tan agradable de oír y corre el riesgo de lesionarse la voz. Cada voz es diferente. Solo tiene el sonido que su cuerpo puede emitir. Por eso los cantantes desarrollan seguidores de culto: cada uno de nosotros es único. Cuando pare, no me volverá a oír. Así que tomé decisiones basándome en las instrucciones de mi profesor.

Sin embargo, se ha esforzado en diferentes escenarios de canto.

Sí, nunca he dejado de aprender, porque es algo que me encanta. Los mentores han sido increíblemente importantes. En Broadway eran mis colegas los que eran inteligentes como un látigo, tenían una ética de trabajo extraordinaria y eran muy generosos. Llevó un par de semanas, pero al final pude mantenerme al día.

Cuando se embarca en un proyecto, ¿cómo se sincroniza con sus compañeros artistas?

Es algo natural, así que déjeme pensar en cómo expresarlo con palabras. Yo diría que ser colegial, solidario, colaborativo. No quiero que nadie me engañe ni le impondría mi propia opinión. En el teatro hay reglas sobre esto, no tácitas, reglas reales. Solo el director puede decirle a un artista qué hacer. No se hablan en los 30 minutos que faltan para que se levante el telón. Han creado una estructura. En el mundo clásico no hay reglas, por eso tenemos divas y personas exigentes que no son necesariamente colegiales.

La gente lo ha descrito como «no una diva».

Decidí desde muy joven que nunca iba a infligir lo que estaba pasando a las personas que me rodeaban, ni en un entorno profesional. No significa que no me sienta incómodo o ansioso. No suelo compartirlo excepto con mi grupo principal de amigos y familiares más cercano y querido.

¿Qué piensa de su carrera ahora?

Estoy metido en un lío porque no creía que fuera a cantar tanto en este momento. Había sido estratégico a la hora de crear todas estas otras obras que me gustaría hacer a medida que bajaba el ritmo. Ahora estoy haciendo malabares con cinco trabajos: la Ópera de Los Ángeles, el Kennedy Center, el estudio de canciones del Carnegie Hall, el Festival de Música de Aspen, La música y la mente—y actuando. Pero mi mantra es: «No pierda de vista el premio». Soy muy práctico, pragmático y orientado a los objetivos. Así que cuando me canso o me frustro, solo pregunto: Con todas estas cosas, ¿qué es lo que intento conseguir? Y luego me digo: Puede hacerlo. Siga haciendo malabares, porque me encantan todos mis proyectos y no quiero renunciar a nada.

¿Cómo trabaja con las organizaciones que mencionó para impulsar la innovación en las artes?

Bueno, lo bueno de ser consultor o asesor es que tiene una visión de una milla de altura. Puedo dejar las giras y ver cosas que la gente que está allí todos los días no ve. Una de las cosas era centrarse en el desarrollo del público, porque la asistencia a las actuaciones de arte clásico se ha reducido. Por ejemplo, fue mi idea llevar el teatro musical y a diferentes cantantes al escenario de la ópera, lo cual ha tenido un éxito increíble. Tenemos espacios de actuación sagrados, dorados y hermosos y orquestas completas, así que vamos a invitar a toda esta gente nueva a entrar. Y entonces, tal vez vienen a ver a Sting o Andrea Bocelli, pero dicen: «Ya que estamos aquí, ¿por qué no volvemos? Siempre he querido ir a una ópera».

¿Qué hay de abrir la música clásica a voces más diversas?

Sí, eso ocurre rápido. Un colega me dijo en 2010 que no iba a conseguir trabajo como protagonista en ciertos territorios porque era negro, y me sorprendió. Le dije: «En el siglo XXI, ¿está bromeando?» Pensaba que trabajaba en un campo ilustrado y educado. Así que primero me dijeron que había un problema. Y luego pasé inmediatamente a la acción. Abogo por la diversidad en todos los trabajos que tengo, y me ha funcionado para los papeles de canto. Las orquestas también trabajan duro. Ha sido más lento para la administración. Otra área de trabajo importante es la educación musical para todos los niños.

¿Cuándo empezó a centrarse en la interacción entre la música y la salud?

Había estado leyendo sobre neurociencia y música, y conocí a Francis Collins [el exdirector de los Institutos Nacionales de Salud] y le dije: «Hola, soy nuevo en el Centro Kennedy y creo que podríamos ofrecer una plataforma para la ciencia con nuestro público». También es un músico fantástico; toca, compone, canta. Él dijo: «Claro, hagámoslo». Deborah Rutter, la presidenta del Kennedy Center, estaba de acuerdo y el National Endowment for the Arts también se unió y lanzamos Sound Health. Comenzó con un taller de investigación en los NIH en enero de 2017 y continuó con reuniones en el Kennedy Center que incluyeron actuaciones, paneles y presentaciones de investigación. Al principio, pensé: Esto va a ser muy exagerado para mí. Por el contrario, me inspiró la pasión por hacer más. De hecho, el pasado mes de diciembre celebramos un quinto aniversario para ver lo que se ha logrado en la investigación sobre la música y la salud (desde el inicio de este proyecto, los NIH han dedicado más de 20 millones de dólares a este trabajo) y lo que nos espera. Siempre que tengo una reserva para un concierto o una gira, ofrezco a las organizaciones artísticas que presentan la oportunidad de organizar también un evento de música y mente en asociación con un centro de salud local, un centro de terapia musical o artística o un centro de investigación para crear conciencia sobre las conexiones entre las artes y la salud, compartir las últimas investigaciones y noticias sobre los programas y servicios locales y fomentar relaciones de colaboración que continúen. El público los disfruta y aprende mucho. El libro es un regalo para todos los que llevan tanto tiempo trabajando en este campo.

¿Por qué la gente del mundo empresarial debería preocuparse por las artes y apoyarlas?

Si piensa en lo rápido que cambia la vida (la ley de Moore, la IA, etc.), es abrumador. Nosotros, como seres humanos, no podemos absorberlo todo ni mantenernos al día. Estamos viendo una crisis de salud mental y problemas en la estructura de nuestra sociedad. Así que creo que es importante mantenerse conectado con las cosas que siguen contribuyendo a la cohesión social, y la experiencia artística compartida lo hace. De hecho, puede alinear nuestras ondas cerebrales. Por supuesto, no es la panacea. No es la respuesta para todo. Pero no debemos olvidar que, en el fondo, somos seres creativos que necesitamos conectar unos con otros.